Para avanzar hay que aligerar la carga. Carlos Sennacheribbo y Luis de Oleza —oriundos de Mallorca pero instalados en Madrid— encarnan esta premisa a la perfección. Originalmente un cuarteto y ahora reconvertidos en dúo, Cora Yako apuesta por un repliegue táctico para su tercer álbum.

Esta maniobra les permite capitalizar el recorrido de una discografía que transitó entre el filo del rock alternativo y la vulnerabilidad del bedroom pop. Uno de los nuestros (2020) es un disco de pequeños gestos: frases de guitarra cortas, rítmicas pero desenfocadas por pedales que suman profundidad espacial y amplitud al sonido. Este debut es la combinación ecuánime de las dos direcciones opuestas en las que luego Cora Yako profundizó en sus trabajos posteriores.

Tiene una dinámica que va de fórmulas ampliamente validadas dentro del rock alternativo a una distorsión que evidencia iniciativa propia y una huella singular. Sennacheribbo y De Oleza están más cerca de la postura nerd, vulnerable, despojada y sincera que de la figura del rockstar. Momentos extáticos como “La primavera” desembocan en temas como “6 am”, un horario que ya sugiere el desamparo tanto lírico como melódico que termina por plasmarse.

A lo largo de todo el disco, escuchamos una voz plana, neutra, como si no quisiera revelar mucho más que las palabras que pronuncia. Si en su primer disco Cora Yako equilibraba en igual medida su veta de rock alternativo un poco popero y su costado más oscuro, en el homónimo (2023) deciden asomarse al abismo. Con rompecabezas armónicos y las emociones al frente, el hilo conductor de este disco es de un color mucho más oscuro que su predecesor.

La voz se mantiene en su expresión mínima y pronunciativa, fiel a la tradición de otros grandes del rock alternativo español. Su segunda canción, tras pronunciar “Todavía no tengo noticias de ti, el fin de semana fue tan largo”, desemboca en exploraciones melódicas mucho más intrincadas que en sus trabajos anteriores, aunque aún quedan trazos de aquel enfoque contagioso y accesible. En este segundo trabajo, el grupo mallorquín se entrega a la melancolía que acechaba en el fondo de sus composiciones más pop.

En un desplome que nunca deja de sonar armónico, sus melodías reflejan una inclinación más confesional, que acerca el disco al shoegaze y al emo. Paradójicamente, las guitarras más livianas del álbum aparecen en el tema titulado “Mil formas de morir”. Mil pequeños cortes (2026) es su tercer y más reciente trabajo, editado en febrero pasado.

Con el cambio de formación, De Oleza y Sennacheribbo parecen haber aligerado la carga y afinado la brújula, construyendo un complejo sistema armamentístico de dos guitarras lo más concisas y enfocadas posibles, una sección rítmica sin fisuras y una contundencia que —inexplicablemente— no les hace perder la calidez y accesibilidad de sus melodías. En línea con este nuevo y afiladísimo enfoque, las tapas de los singles que anticiparon el disco mostraban instrucciones para ensamblar a cada uno de sus dos integrantes, como figuras que vienen con garantía, diferentes indumentarias y estados emocionales (incluida una advertencia sobre la posibilidad de manifestar varias emociones al mismo tiempo y una guía para identificar la emoción de tu Cora Yako). El diseño es tan minucioso que cada adelanto incluía su letra dentro del propio instructivo. “Todo surgió de la mente de Alberto de Santos, que se ha encargado de todo el imaginario visual del disco”, comentaron en conversación con Indie Hoy. “Estuvimos hablando largo y tendido sobre lo que significa para nosotros el disco y el momento de cambio que supone tener veintitantos en una ciudad.

Esa sensación de ser alguien con experiencia vital, pero, en el fondo, ignorante de lo que se te viene encima”. El primer adelanto fue “Pesadillas”, sostenido en una percusión precisa, veloz y tensa, a la que los riffs suman aún más chispa y fricción, mientras la letra rememora noches soñadoras y veraniegas desde su costado más entrañable. La identidad visual de estos singles y del disco comenzó a desarrollarse con un video en el que se los ve dentro de una máquina de garra, de esas que atrapan juguetes en los arcades. “Barcelona”, el segundo adelanto, apunta fuerte y al medio desde el inicio.

La guitarra irrumpe de un portazo, con una de esas melodías tan indelebles que pasan a ocupar un lugar físico en nuestra cabeza. “El riff de la intro lo teníamos hace unos años y sabíamos que era algo potente, pero estábamos esperando una ocasión especial para sacarlo a relucir. Era como la vajilla buena de tu casa, siempre esperando a que llegue alguien importante para ver la luz”, detallaron sus integrantes. Ese principio es hábilmente administrado como leitmotiv y dosificado en intensidades de manera que nunca se agota.

Producto de mucho trabajo y ajustes, esta canción ya estaba “compuesta en acústica y llevábamos cinco versiones de instrumentales completamente diferentes. Cuando estás en ese punto, es difícil tener buen criterio, así que te dejas llevar por las sensaciones que te da la gente en la que confías y fluyes hacia cualquier final. En este caso, fue un buen final”.

En el video de “Barcelona” se ven las distintas combinaciones de esas figuras de acción de Carlos y Luis —el pediatra, el millonario en traje, el chef, el cowboy, el futbolista y el piloto— como en esos viejos cuadernos donde se podían probar diferentes conjuntos a las Barbies. Sobre esto, agregaron que “las distintas versiones de nosotros mismos representan los aciertos y errores de nuestra vida, el aprender a llevarlos con orgullo y comprender que sin ellos seríamos personas completamente diferentes”. Probando una dirección completamente nueva en lo vocal, con un enfoque más robótico, “Mil pequeños cortes”, la canción que da título al disco, retoma su filiación más melancólica desde un abordaje claramente distinto, donde el equilibrio entre lo oscuro y lo luminoso deja de ser contraste para convertirse en potencia.

Mientras la voz entona que le da igual entre “mil pequeños cortes o un puñal”, se entrega a la indiferencia ante la finitud de las cosas con una resignación extasiada que, después de varios cambios en su sonido, revela qué es lo que hace a Cora Yako único más allá de sus metamorfosis. En el video, el universo del álbum se desplaza hacia una dimensión donde los vemos convertidos en figuras plásticas cantando en el piso de un baño reventado, con cervezas vacías y luces fluorescentes. Sin embargo, todo este imaginario visual “no dialoga de forma directa con las canciones; simplemente trata de crear un contexto sobre el que plasmar las emociones que todos sentimos” —especificaron—. “Amor, odio, rabia, alegría, nostalgia… Hay un poco de todo”.

En su último álbum, y con melodías que operan sobre nuestra memoria pop, Cora Yako cierra el círculo de su propia invención. Bajo su estética de figuras y manuales yace un disco profundamente humano que se sirve del lenguaje del rock para validar cada una de las facetas que atravesaron, encontrando en esa variación inevitable su verdadera identidad. “Es que todo está inventado. Puede pasar que escuches una canción y digas: ‘quiero hacer algo de este rollo’.

Luis siempre dice una cosa que mola bastante: copia, porque no lo vas a conseguir. Aunque tu intención sea hacer lo mismo, va a salir otra cosa”, comenta Sennacheribbo. Según Luis, “es un disco para juguetes rotos”, metáfora que describe “a alguien que ya no lo pasa tan bien como antes, que llega a casa y no se reconoce, que tiene la sensación de que todo avanza a su alrededor y él está parado.

Un ignorante con experiencia”. Escuchá Mil pequeños cortes en plataformas (Spotify, Tidal).